Art public à Londres – Les installations les plus célèbres

L’art public à Londres englobe un large éventail d’expressions artistiques exposées dans l’espace public — statues, mémoriaux, fresques murales, art de rue et installations. Ces œuvres sont profondément intégrées aux rues de la ville et à la vie quotidienne, devenant partie prenante du rythme des déplacements, de la réflexion et des interactions.

De l’œuvre poétique A Conversation with Oscar Wilde à l’installation ludique Click Your Heels Together Three Times à Canary Wharf, ces créations ajoutent des couches de signification à l’environnement urbain londonien. Parmi les autres exemples notables, on trouve Knife Edge Two Piece, Winged Figure, Nelson’s Ship in a Bottle, ArcelorMittal Orbit, Quantum Cloud, Traffic Light Tree, la fresque murale de David Bowie à Brixton, ainsi que la fresque de Cable Street dans l’est de Londres.

Ce qui rend l’art public londonien unique, c’est son accessibilité — il démocratise l’art en le sortant des galeries pour l’installer à l’air libre, où tout le monde peut y accéder. Les projets sont financés par des organismes gouvernementaux, des promoteurs privés, des institutions culturelles ou issus d’initiatives citoyennes, chacun apportant une voix différente au paysage urbain.

Les agences artistiques jouent également un rôle clé dans la scène de l’art public à Londres, en soutenant et en promouvant des installations qui reflètent le caractère de la ville, favorisent le sentiment d’appartenance, encouragent le dialogue social, et participent à façonner une identité urbaine dynamique et inclusive.

Une conversation avec Oscar Wilde

Une conversation avec Oscar Wilde est une sculpture publique de Maggi Hambling située sur Adelaide Street, dans le centre de Londres, inaugurée en 1998.

Cette installation distinctive rend hommage au célèbre dramaturge et maître de l’esprit. Plutôt que de choisir une statue traditionnelle, Hambling a créé une œuvre interactive ressemblant à un banc en granit en forme de sarcophage. À une extrémité, un buste en bronze de Wilde émerge, la main levée tenant une cigarette, comme s’il était en pleine conversation avec les passants.

Le banc est fait de granit vert poli, tandis que le buste est coulé en bronze. Une des citations les plus célèbres de Wilde, extraite de L’Éventail de Lady Windermere, est gravée sur le bord du banc :
«Nous sommes tous dans le caniveau, mais certains d’entre nous regardent les étoiles.»

Son emplacement, à proximité de la gare de Charing Cross, favorise l’interaction du public, invitant les passants à s’asseoir, réfléchir, ou même “dialoguer” avec l’écrivain iconique — en parfaite adéquation avec l’héritage durable de Wilde en tant que provocateur d’idées et d’humour.

Knife Edge Two Piece

Knife Edge Two Piece est une sculpture publique de Henry Moore, située devant les Chambres du Parlement à Londres, réalisée entre 1962 et 1965.
Cette œuvre saisissante en bronze est l’une des installations publiques de grande envergure les plus reconnaissables de Moore.

La pièce est composée de deux formes distinctes mais interconnectées, mesurant environ 275 cm de haut et 366 cm de large (108 x 144 pouces).

La sculpture présente un bord acéré, semblable à une lame, inspiré des contours naturels des os d’oiseaux — une influence organique récurrente dans l’œuvre de Moore.

La composition en deux parties est disposée avec soin afin de créer une tension spatiale délibérée. L’espace entre les deux éléments n’est pas vide — il encadre l’environnement, reliant ainsi la sculpture à son contexte urbain et invitant les spectateurs à réfléchir à leur propre position par rapport à elle.

Malgré son caractère monumental, la sculpture dégage une présence accessible, presque méditative. Coulée en bronze, sa surface présente des textures subtiles et une patine qui accentuent sa qualité tactile et son intemporalité.

Knife Edge Two Piece illustre parfaitement la philosophie de Moore : intégrer l’art dans l’espace public. Par ses formes abstraites et son poids matériel, il transforme un lieu animé près de Westminster en un espace de contemplation silencieuse.

Winged Figure

Winged Figure est une sculpture publique réalisée par Barbara Hepworth, installée en 1963 sur la façade du grand magasin John Lewis, sur Oxford Street à Londres.

Cette œuvre emblématique introduit le modernisme abstrait au cœur de l’un des quartiers commerciaux les plus fréquentés de Londres. Haute de 5,8 mètres (19 pieds), la sculpture se compose de deux formes asymétriques semblables à des ailes, s’élevant verticalement depuis une base, et s’inclinant subtilement l’une vers l’autre.
Ces formes sont reliées par une série de tiges radiales en acier inoxydable, qui créent une impression de tension et d’unité — comme si les ailes étaient maintenues ensemble par des forces invisibles.

Principalement fabriquée en aluminium, avec des tiges en acier apportant un contraste à la fois structurel et visuel, Winged Figure est un exemple marquant de la capacité de Hepworth à fusionner abstraction géométrique et mouvement organique, presque spirituel.

Commandée par John Lewis au début des années 1960, l’œuvre a été conçue pour refléter les idéaux de l’entreprise en matière de but commun et de progrès.

Aujourd’hui, elle reste l’une des sculptures publiques les plus reconnues et photographiées de Londres, parfaitement intégrée au paysage urbain tout en offrant un instant de réflexion suspendu au-dessus du tumulte de la rue.

Nelson’s Ship in a Bottle

Nelson’s Ship in a Bottle est une installation d’art public de Yinka Shonibare CBE, dévoilée pour la première fois en 2010 sur le Fourth Plinth de Trafalgar Square, à Londres.

La sculpture est une réplique à l’échelle 1:30 du HMS Victory, le navire amiral de Lord Nelson lors de la bataille de Trafalgar en 1805.
Enfermée dans une gigantesque bouteille en verre, la maquette se distingue par ses 37 voiles colorées, confectionnées à partir de textiles richement imprimés, inspirés des motifs ouest-africains — une signature de l’artiste.

Mesurant environ 4,7 mètres de long sur 2,8 mètres de haut, la bouteille repose sur un socle en bois, offrant un contraste à la fois ludique et puissant avec le cadre néoclassique de son site d’exposition d’origine.

Au-delà de son impact visuel, l’œuvre porte une forte charge culturelle et politique. Elle aborde des thèmes tels que l’histoire navale britannique, l’expansion coloniale et l’héritage global de l’Empire, tout en célébrant la diversité de la Grande-Bretagne contemporaine.a
L’utilisation de textiles africains au sein d’un symbole profondément britannique remet en question les récits traditionnels et invite le public à reconsidérer les histoires que véhiculent les monuments nationaux.

Après son exposition sur le Fourth Plinth, la sculpture a été déplacée et installée de manière permanente devant le National Maritime Museum à Greenwich.

Première commande du Fourth Plinth réalisée par un artiste noir britannique, Nelson’s Ship in a Bottle a marqué un tournant important dans l’art public, en plaçant la réflexion historique et l’identité culturelle au cœur du débat public.

L’ArcelorMittal Orbit

 

L’ArcelorMittal Orbit est une sculpture monumentale et une tour d’observation publique, conçue par Anish Kapoor et Cecil Balmond, située dans le Queen Elizabeth Olympic Park à Stratford, Londres.

Avec ses 114,5 mètres de hauteur, c’est la plus grande œuvre d’art public du Royaume-Uni. Elle a été dévoilée dans le cadre des Jeux Olympiques de Londres en 2012. La structure combine sculpture, ingénierie et architecture dans une forme spiralée constituée de 560 mètres d’acier tubulaire rouge, créant un repère visuel saisissant visible à travers tout l’est de Londres.

Positionné entre le London Stadium et le Centre aquatique, l’Orbit comprend deux plateformes d’observation intérieures offrant des vues panoramiques sur le parc olympique et l’horizon londonien.

À sa base se trouve un pavillon d’accueil, et depuis 2016, la structure intègre également le plus long toboggan en tunnel du monde, conçu par Carsten Höller, ajoutant une dimension ludique et interactive à l’expérience.

Au-delà de son design spectaculaire, l’Orbit revêt une forte dimension symbolique — elle a été commandée pour représenter la régénération et le progrès de l’Est londonien, en tant qu’héritage durable des Jeux Olympiques.

Sa forme en boucles, instable en apparence, a été délibérément pensée pour défier les idées conventionnelles de beauté et de monumentalité, incitant à l’interprétation et à l’appropriation par le public.

Aujourd’hui, l’ArcelorMittal Orbit incarne une fusion audacieuse entre art et infrastructure, attirant les visiteurs par sa silhouette unique, ses vues spectaculaires et son statut d’icône contemporaine du paysage urbain de l’Est londonien.

Quantum Cloud

Quantum Cloud est une sculpture publique monumentale réalisée par l’artiste britannique Antony Gormley, située près de l’O2 Arena sur la Tamise à Londres.

Haut de 30 mètres (98 pieds), Quantum Cloud est la plus haute œuvre de Gormley, commandée à l’occasion des célébrations du millénaire en 1999.

La sculpture est composée d’unités tétraédriques en acier de 1,5 mètre de long, assemblées pour former une structure dynamique et vaporeuse qui semble vibrer d’énergie. Elle symbolise l’incertitude quantique et les forces invisibles qui façonnent notre monde.

En son centre, une silhouette humaine émerge subtilement. Autour, les excroissances irrégulières et la forme chaotique de la structure évoquent la physique quantique, le chaos, et la croissance fractale.

Le travail de Gormley s’inspire des idées du physicien quantique Basil Hiley, notamment du concept selon lequel «l’algèbre est la relation des relations» — suggérant que la présence humaine peut aller au-delà de sa forme physique.

Installée sur une plateforme en fonte dans la rivière, la sculpture est à la fois un repère visuel marquant et une réflexion philosophique sur l’intersection du corps humain avec le monde invisible qui l’entoure.

Aujourd’hui, Quantum Cloud demeure un témoignage de l’exploration artistique de Gormley autour du corps, de la perception et de l’immensité de l’univers, invitant chacun à réfléchir à sa propre relation à l’espace et à la présence.

L’Arbre Feu de Circulation (Traffic Light Tree)

L’Arbre Feu de Circulation (Traffic Light Tree) est une sculpture publique de l’artiste français Pierre Vivant, installée à Londres pour refléter l’énergie dynamique et incessante du quartier financier de Canary Wharf.

Mesurant 8 mètres de haut, l’œuvre se compose de 75 feux de circulation, organisés comme les branches d’un arbre, tous contrôlés par ordinateur. Placée sur un rond-point près du Billingsgate Market, elle se dresse comme une installation urbaine saisissante, en contraste avec le rythme naturel des véritables arbres.

Contrairement aux cycles prévisibles de la croissance végétale, les signaux lumineux de l’Arbre Feu changent de manière irrégulière, symbolisant le tumulte constant de la vie urbaine et du monde financier alentour.

Initialement installée à Millwall en 1998, l’œuvre a été déplacée à son emplacement actuel en 2011. Inspirée des platanes londoniens, elle devait à l’origine refléter les variations du London Stock Exchange, mais le projet fut simplifié pour des raisons de coût.

Aujourd’hui, les feux clignotent de manière autonome, illustrant l’agitation perpétuelle de la ville.

Bien que la sculpture ait semé la confusion parmi les automobilistes à ses débuts, elle est devenue un repère apprécié des Londoniens et des touristes — à la fois œuvre d’art et clin d’œil ludique à la frénésie de la vie contemporaine.

La fresque murale de David Bowie à Brixton

La fresque murale de David Bowie à Brixton, Londres, est une œuvre d’art public emblématique qui rend hommage au musicien légendaire sur le mur du magasin Morleys, rue Tunstall.

Réalisée en 2013 par l’artiste australien Jimmy C, elle représente Bowie dans son personnage iconique de Ziggy Stardust, issu de la pochette de l’album Aladdin Sane (1973).
Avec ses couleurs vives et son aura électrique, la fresque capte l’esprit de l’artiste et son impact visuel inoubliable.

Après le décès de Bowie en 2016, ce simple portrait est devenu un lieu de recueillement spontané : des milliers de fans ont laissé des fleurs, des messages, des bougies et des objets personnels, transformant le mur en sanctuaire populaire.

La fresque se trouve sur le bâtiment même où Bowie est né, ce qui lui confère une charge émotionnelle et symbolique supplémentaire.

Reconnaissant son importance culturelle, la municipalité a accordé à la fresque un statut de protection locale, et des discussions ont eu lieu concernant un éventuel mémorial permanent ou le changement de nom du quartier.

Aujourd’hui, la fresque murale de David Bowie reste un symbole vibrant de sa mémoire, un point de rencontre pour les admirateurs et un témoignage de l’amour durable entre l’artiste et le quartier de Brixton.

Fresque de Cable Street, Est de Londres

La fresque de Cable Street est une œuvre d’art publique de grande envergure située dans l’est de Londres, qui commémore la bataille de Cable Street de 1936, un événement historique majeur dans la lutte contre le fascisme.

Installée sur le mur du St George’s Town Hall à Shadwell, la fresque a été achevée en 1983 et illustre de manière vivante l’affrontement entre les résidents locaux et la police, qui protégeait une marche organisée par la British Union of Fascists. Cette œuvre est le fruit d’une collaboration collective, avec les contributions d’artistes tels que Dave Binnington, Paul Butler, Ray Walker et Desmond Rochfort.

La fresque se distingue par son utilisation audacieuse et dramatique des couleurs, illustrant des scènes puissantes de la bataille, notamment la construction de barricades, le lancement d’objets sur la police, et la résistance générale de la communauté contre la marche fasciste. Elle sert de rappel expressif de l’unité et de la résilience des habitants face à l’oppression.

La fresque de Cable Street demeure un repère culturel et historique majeur, honorant l’héritage de ceux qui ont lutté pour la liberté et l’égalité. Elle continue d’inspirer et de rappeler aux spectateurs la lutte persistante contre le fascisme.

Click Your Heels Together Three Times, Canary Wharf

Click Your Heels Together Three Times est une installation artistique publique permanente de grande envergure réalisée par l’artiste LGBTQ+ Adam Nathaniel Furman. Elle est située sous le Adams Plaza Bridge à Canary Wharf, Londres.

L’œuvre s’inspire des chaussures rubis emblématiques du film Le Magicien d’Oz et en reprend l’idée à l’échelle architecturale, célébrant le parcours de l’auto-découverte et l’importance d’embrasser sa véritable identité et ses désirs.

L’installation enveloppe le dessous et les piliers du pont, créant ainsi une expérience colorée et visuellement frappantepour les visiteurs.

Adam Nathaniel Furman, connu pour l’utilisation de la couleur et du motif afin de créer des espaces queer dans l’espace public, a conçu cette pièce pour refléter des thèmes de transformation et d’inclusivité. Elle fait partie de la collection d’art public du Canary Wharf Group, l’une des plus grandes collections extérieures gratuites à visiter au Royaume-Uni.

Cette installation audacieuse et vibrante offre une déclaration accueillante et inclusive, enrichissant l’espace public tout en invitant les visiteurs à réfléchir sur le pouvoir de l’auto-expression.

​​Quel est le rôle de l’art public dans la construction de l’identité de Londres?

Le rôle de l’art public dans la construction de l’identité de Londres est majeur, car il reflète le caractère de la ville, favorise un sentiment d’appartenance, encourage le dialogue social et améliore les espaces urbains. L’art public reflète la diversité des communautés de Londres et joue un rôle essentiel dans la création d’un environnement urbain dynamique et inclusif.

• Communication de l’identité. À Londres, l’art public reflète l’importance culturelle et historique de la ville, contribuant à façonner son identité. Les sculptures emblématiques et l’art de rue créent des repères reconnaissables, favorisant la fierté et l’appartenance. Ces œuvres contribuent à l’évolution du caractère de la ville, résonnant tant auprès des résidents que des visiteurs.
• Expression culturelle. En tant que plateforme d’expression culturelle, l’art public permet aux diverses communautés de Londres de mettre en avant leurs valeurs et expériences. Il représente visuellement l’évolution culturelle continue de la ville, offrant un espace inclusif pour que chacun puisse partager ses perspectives et récits uniques.
• Dialogue social et engagement. À travers l’art, des enjeux sociaux, politiques et environnementaux sont mis en lumière, invitant au dialogue et à la réflexion. Ces œuvres poussent les spectateurs à penser de manière critique, transformant les espaces urbains en lieux d’engagement communautaire actif et connectant les gens par des expériences culturelles partagées.
• Approches descendantes et ascendantes. L’art public à Londres découle à la fois d’initiatives gouvernementales (approches descendantes) et de projets communautaires (approches ascendantes). Alors que les œuvres emblématiques à grande échelle sont souvent financées par l’État, les efforts communautaires locaux garantissent que l’art reflète les valeurs de la communauté, créant ainsi un paysage artistique diversifié et dynamique à travers la ville.
• Valorisation des espaces. L’art insuffle de la vie dans les environnements urbains, transformant les espaces quotidiens en lieux vibrants et engageants. En ajoutant de la couleur et de la signification, ces œuvres revitalisent parcs, rues et places, encourageant l’exploration et l’interaction, tout en favorisant un sentiment de communauté et d’appartenance dans les espaces publics.
• Catalyseur du changement. L’art peut catalyser le changement social en mettant en lumière des problèmes cruciaux tels que les inégalités et les préoccupations environnementales. Il défie les normes sociétales et déclenche des discours publics significatifs, façonnant le paysage social et politique de la ville et incitant à la réflexion, à l’action et au dialogue au sein de la communauté.

Comme en témoigne les projets soutenus par des agences telles que MTArt, l’art public contribue activement à l’identité de Londres en soutenant les artistes qui introduisent de nouveaux et significatifs dialogues dans les espaces publics. Ces collaborations permettent de créer un art qui va au-delà de la décoration, favorisant l’inclusivité et l’engagement dans le paysage culturel en constante évolution de la ville.